GRANDES De La New Age 5m2h2j

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Ludovico Einaudi (pronunciación en italiano: /ludo'vi?ko ei'naudi/ ( escuchar)) OMRI (Turín, Italia; 23 de noviembre de 1955) es un compositor y pianista italiano. Formado en el Conservatorio Verdi de Milán, Einaudi inició su carrera como compositor clásico, incorporando posteriormente otros estilos y géneros como el pop, rock, folk y world. Representa uno de los éxitos de la música new age de los últimos años, no solo por las ventas de discos, sino también por los conciertos realizados por todo el mundo. Einaudi nació en Turín, Piamonte.? Hijo del editor e intelectual italiano Giulio Einaudi? y nieto de Luigi Einaudi, quien fue presidente de la República Italiana de 1948 a 1955. De niño su madre tocaba el piano con él. Después de trasladarse a Milán, en 1982 se diplomó en composición dentro del Conservatorio de Música Giuseppe Verdi, con Azio Corghi.? Ese mismo año, recibió una beca para el Festival de Tanglewood,? en Estados Unidos, y continuó sus estudios con el compositor Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comenzó la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y, más tarde, para piano. Se trata de un músico curioso y abierto a experimentar, crea una mezcla entre sus sonidos vanguardistas y melodías ancestrales desde el jazz y el rock hasta la música contemporánea,? aunque conserva todos los detalles e incluye elementos referentes a los avances de la electrónica, y experimenta también con culturas musicales provenientes de todo el mundo, así como el pop. Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva.? Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro, se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: «En general, no me gustan las definiciones, pero 'minimalista' es un término que significa elegancia y sinceridad; por lo tanto, prefiero ser llamado 'minimalista' que cualquier otra cosa». Al igual que otros compositores minimalistas posmodernos; como Michael Nyman, Arvo Pärt, Brian Eno o Michael Hoppé, Einaudi está influido por Erik Satie, quien puede considerarse como un precursor de este movimiento o estilo, del mismo modo que en pintura Edvard Munch lo fue para el expresionismo. En el transcurso de su carrera, ha colaborado con artistas pertenecientes a diferentes corrientes musicales tales como: Ballakè Sissoko, Djivan Gasparijan, Mercan Dede, Robert y Ronald Lippok. Además, fue el único artista de música clásica que participó en la primera edición del iTunes Festival (en 2007) junto a algunos de los artistas y bandas de rock más populares y reconocidos del mundo (Oasis, Placebo y Franz Ferdinand, entre otros muchos). Actualmente reside en la región italiana de Piamonte. Ludovico Einaudi: Islands: Essential Einaudi (2011) Temas: 01 I Giorni (The Days) 6:50 02 The Earth Prelude 5:03 03 Le Onde (The Waves) 5:38 04 Nightbook 5:53 05 Divenire (To Become) 6:44 06 Dietro Casa (Nearby Home) 3:55 07 Fairytale 4:01 08 Nuvole Bianche (White Clouds) 6:00 09 aggio (age) 6:00 10 Primavera (Spring) 7:26 11 Nefeli 4:32 12 Questa Notte (Tonight) 5:43 13 Berlin Song 4:27 14 Melodia Africana Ill 4:48

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Rondò Veneziano nació en la primavera de 1979 en una idea conjunta de Freddy Naggiar (Baby Records) y el compositor Gian Piero Reverberi. este último deja RCA italiano por Baby Records, donde trabaja con Al Bano, Romina Power, Pupo y Ricchi e Poveri.Rondò Veneziano nació en la primavera de 1979 en una idea conjunta de Freddy Naggiar (Baby Records) y el compositor Gian Piero Reverberi. este último deja RCA italiano por Baby Records, donde trabaja con Al Bano, Romina Power, Pupo y Ricchi e Poveri. El proyecto inicial era crear una formación instrumental italiana, en línea con lo que se había propuesto Angelo Branduardi o Stephen Schlaks. Reverberi optó por una solución entre el barroco y el pop. La restauración del Carnaval de Venecia a finales de 1970, contribuyó a que el carácter tan festivo y mundialmente famoso Carnaval de Venecia sea un tema esencial de inspiración. Para materializar el ambiente barroco, los solistas vienen vestidos al estilo del siglo XVIII, con pelucas. Estos elementos estaban destinados a fortalecer el impacto en el público y hacer que el grupo sea inmediatamente reconocible. Las primeras cuatro canciones (incluyendo Rondò Veneziano, San Marco y Andante Veneziano) fueron registrados bajo la dirección de Reverberi en Varirecording Studios (Mílan), con una orquesta sinfónica de Génova así como un baterista y un bajista. Estas primeras piezas agradaron a Baby Records, y junto a otras cinco composiciones agregadas formaron un primer álbum: Rondò Veneziano. Si bien, el disco estaba listo ya en el invierno 1979, este no se publicó hasta el año siguiente para preparar una estrategia de negocio más eficaz. El 22 de febrero de 1980, la canción Rondò Veneziano fue elegida por Silvio Berlusconi, por consejo de Freddy Naggiar para abrir y cerrar los programas de reciente Canal 5, provocando la curiosidad de los espectadores durante casi un año, ya que la pieza se publicó seis veces al día, sin que ni su nombre ni su origen fueran mencionados. La primera década de álbumes de la orquesta solo incluyó composiciones totalmente originales en el estilo barroco rondò, "una composición musical basada en la alternancia de un tema recurrente principal y episodios contrastantes". En años posteriores, además de muchos discos nuevos y originales continuando el propio estilo y la tradición única de Gian Piero Reverberi, Rondò Veneziano también trajo la fusión de instrumentos clásicos y contemporáneos para un pequeño número de álbumes dedicados a algunos de los grandes compositores tradiciónales de música clásica y barroca. En una entrevista, El Maestro Reverberi dijo sobre el sonido de Rondò Veneziano: "La música de Rondò Veneziano es ante todo positiva también cuando parece estar triste, nunca es triste Siempre es positivo en el sentido de que al final siempre hay un buen futuro. Así que creo que también la razón del éxito es que se trata de la música en la que no hay que pensar negativo o sentirse negativo o si se siente uno negativo debe ser algo que te lleva a pensar en positivo ". Una versión de "La Serenissima" (Tema de Venice in Peril) fue lanzado en el Reino Unido como un sencillo y alcanzó el número 58 en la lista de singles del Reino Unido en octubre de 19832? La pista fue también ampliamente utilizado en ese momento por BBC TV, como la melodía del tema de Hospital Watch. La pista fue más tarde usada en el éxito mundial "Venice in Peril" álbum que fue lanzado como parte de una campaña internacional para salvar Venecia se hunda en la laguna. En 1985, proporcionaron la banda sonora de la película Not Quite Jerusalem (conocida como Not Quite Paradise en los EE.UU.). Esto marco una reelaboración de muchas de las piezas originales que figuran en los álbumes Venice in Peril y The Genius of Venice. La orquesta ha producido 70 álbumes en los 29 años desde su fundación en 1979. Rondò Veneziano: The Great Selection Of Rondò Veneziano (2002) Temas: 01. Barocco 0:00 02. Concerto Mistico 2:02 03. Sinfonia Corale 5:01 04. Magica Melodia 11:52 05. Visioni Di Venezia 13:53 06. Fantasia Veneziana (In La Maggiore) 16:35 07. I Preparativi 18:51 08. Papagena 21:36 09. Serenata Veneziana 24:36 10. Buon Natale, Mondo 29:06 11. Christmas Suite 1 31:45 12. Zodiaco 34:10 13. Carrousel 37:55 14. Prestige 39:59 15. Bettina 41:51 16. Andromeda 43:29 17. Seduzione 46:42 18. Odissea Veneziana 48:14 19. Arcobaleno 49:43 20. Costellazioni 51:51 21. Viale Rossini 54:02 22. In Fuga 56:56 23. Rialto 58:06 24. Cimento Dell’Armonia 59:06

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Yiruma, nombre artístico de Lee Ru-ma (Seúl, Corea del Sur, 15 de febrero de 1978), es un compositor de música para piano. Está casado con Son Hye-im (Miss Korea). Lee Ru-ma nació y creció en Corea del Sur, y se educó en Inglaterra. Yiruma comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años, y posteriormente se trasladó a Londres a la edad de once años, con el propósito de estudiar en la Escuela de Música de Purcell. En diciembre de 1996 participó en el álbum The Musicians of Purcell. Tras graduarse de la Purcell School of Music en julio de 1997, Yiruma continuó sus aspiraciones musicales y completó una gran composición del King's College de Londres en junio de 2000. Mientras estudiaba en el King's College, lanzó su primer álbum Love Scene a través de los registros DECCA. Además, durante su estancia en la universidad, participó en una gira musical en Europa. En un hito histórico para su país, Yiruma fue el primer artista coreano en recibir una invitación para actuar en el MIDEM 2002 en Cannes, Francia. Al principio de su carrera, sus discos fueron lanzados en Europa y Asia, los mismos que ya están disponibles a nivel internacional a través de diversas fuentes en línea como iTunes, Amazon, y la Stomp Records, compañía discográfica de Yiruma. En 2001 lanzó su álbum más popular hasta la fecha, First Love. En él figura su # 1 en ventas River Flows in You y desde entonces esta obra se ha publicado en otros dos álbumes. Yiruma lanzó su tercera producción, From The Yellow Room, en 2003. Antes de su salida oficial ya había vendido 30.000 copias y era el mejor clasificado en diversas de las listas de música más populares, incluyendo Yes24, Phono y Hot Tracks. Su gira por 12 ciudades de Corea fue un lleno total, así como su concierto de noviembre en el Seoul National Arts Center. Su cuarto álbum fue POEMUSIC. En 2006, al año siguiente, compuso el tema principal de un popular drama de KBS, Vals de Primavera. En su quinto álbum, H.I.S Monologue, utilizó un piano preparado. Yiruma ha compuesto bandas sonoras para musicales, películas y obras de teatro. A pesar de ser exitoso en la industria de la música, Yiruma decidió servir en el ejército de Corea del Sur. Por lo tanto, en 2006 renunció a su ciudadanía británica y se alistó en la Armada de Corea. Al término de su servicio en la Marina de Guerra de Corea, emprendió en 2008 la gira Yiruma Come Back Tour, Ribbonized, en 20 ciudades de toda Corea. Por otro lado, el 1 de enero de 2009, se convirtió en un DJ de música de KBS1FM Yiruma de todo el mundo. En septiembre de 2010, canceló su contrato con Stomp Music y firmó con Sony Music Entertainment de Corea. Stomp Music presentó entonces una orden judicial para prohibir la venta de la música de Yiruma, y la petición fue aceptada por el tribunal en abril de 2011. Inmediatamente, Yiruma presentó una objeción contra la orden judicial y el veredicto del tribunal finalmente favoreció a Yiruma. Yiruma es bien conocido en todo el mundo, y sus álbumes se venden en toda Asia, así como en los Estados Unidos y Europa. Sus piezas más famosas son Kiss the Rain, Love Me y River Flows in You. Yiruma: Yiruma's Greatest Hits (2020) Temas: 0:00 River Flows In You 3:07 Kiss The Rain 7:21 Spring Time 11:38 May Be 15:38 When The Love Falls 18:56 Because I Love You 22:27 Love Me 26:33 Time Forget... 31:30 If I Could See You Again 34:56 Fairy Tale 37:38 Hope 40:28 It's Your Day 44:09 ing By 48:47 Dream A Little Dream Of Me 51:00 I... 55:12 The Days That'll Never Come 58:21 Reminiscent 1:01:37 Farewell 1:04:06 Sky 1:09:21 Painted 1:12:52 Till I Find You

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. El autor del álbum, el nombre propio que se oculta tras eso de Beautiful World ("Bonito mundo") es Phil Sawyer, un señor que anduvo mezclado en los sesenta con los orígenes del grupo pop-rock Fleetwood Mac, y que, tras abrazar el budismo, se dedicó a explorar conceptos musicales de carácter pseudo-étnico con ínfulas globalizantes. Lo que se practica en In Existence es una new age fuertemente electrónica y saturada de capas con sampleados, voces étnicas y cánticos espirituales que podrían recordarnos -y no por casualidad- a lo realizado por Enigma en sus dos primeros y exitosísimos trabajos. Hay ritmos suaves y relajantes, predominio de voces femeninas (algunas en francés) y algún pequeño reducto para experimentos algo más ambiciosos, con lo que los paralelismos quedan claros. Sawyer, eso sí, no adopta una visión erotizante, sino que prefiere inclinarse por estos ambientes exóticos que mencionábamos antes. El tema que da título al disco se hizo bastante popular en su momento gracias a su uso en un anuncio de los que pusieron en la tele repetidamente, inclinando a los amantes de estos géneros musicales a enterarse de quién era el autor. Como suele ocurrir, la mayoría del público jamás supo ni sabrá de la existencia de Beautiful World. In Existence, segundo corte del CD, está cantado en swahili. Evolution contiene elementos sonoros de los que en su momento sonaban espectaculares; Magicien Du Bonheur posee un ritmo interesante; I Know es un tema suave y disfrutable; The Silk Road es puro Enigma de principio a fin; y... de aquí hasta el final del álbum encontraremos ritmos más o menos pausados, percusiones de película de safaris, pinceladas orquestales hiper-grandiosas. In Existence, el álbum en su conjunto, es un muestrario de lo que es capaz la cultura anglosajona a la hora de recrear lo exótico, lo lejano, lo perteneciente a otras culturas. Beautiful World: In Existence (1994) Temas: 01. In Existence (4:17) 02. In the Beginning (3:57) 03. Evolution (5:49) 04. Magicien Du Bonheur (5:48) 05. I Know (5:06) 06. The Silk Road (6:05) 07. Love Song (6:05) 08. Journey of the Ancestors (8:26) 09. Revolution of the Heart (5:42) 10. The Coming of Age (6:08) 11. Spoken Word (7:34) 12. Wonderful World (3:39) 13. The Final Emotion (4:46)

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Herb es un compositor y músico de la región noroeste del Pacífico de los Estados Unidos. Su objetivo es producir música suave e intuitiva para ayudar en la curación de nuestro maravilloso mundo. Jack Clarke, autor de Life After Grief - A Soul Journey After Suicide, dijo de Herb: "Al conocerlo, se comprende mejor la fuente de su maravillosa música, ya que Herb Ernst es un ser espiritual extraordinario. Quizás por eso Shirley MacLaine eligió su música para las tres cuartas partes de su doble casete de audio Going Within . Su trilogía Dreamflight es uno de los mejores conjuntos de cintas musicales New Age jamás creado ". Herb nació en San Diego, California, el 11 de marzo de 1950. Comenzó sus lecciones de piano a los ocho años. Como su padre estaba en el ejército, la familia viajó mucho por Europa y Estados Unidos. En su juventud, Herb desarrolló un interés por la metafísica y un amor por la meditación. Con la meditación exploró nuevas formas musicales y las posibilidades de utilizar la música con fines meditativos. Herb ingresó a la universidad para estudiar música, pero se desilusionó con la metodología e ideas musicales estructuradas y se sintió desfasado con el énfasis pedagógico en las armonías discordantes. A medida que se desarrollaba una nueva conciencia social en la década de 1960, cambió su especialización de música a sociología y se graduó de la Universidad de Oregon con una licenciatura en sociología en 1972. Tiene un gran interés en la electrónica desde su juventud, en 1977, regresó a la escuela para obtener un título de Asociado en Ciencias en electrónica. Luego, Herb comenzó a experimentar combinando sus conocimientos de electrónica con la música. Con una fascinación duradera por las energías vibratorias del sonido, la luz y el color, construyó una gran "caja de luz" eléctrica (también conocida como "Lumia") conectada directamente a las ochenta y ocho teclas de un piano; cuando se toca una tecla, se enciende una luz correspondiente --- doce luces de colores en total (una para cada tono de la escala cromática), dispuestas en la secuencia del espectro del arco iris. A diferencia de las caóticas luces de "discoteca" que parpadean aleatoriamente, este dispositivo muestra los colores en patrones geométricos que corresponden nota por nota a la música que se está reproduciendo. Con su perspectiva sociológica y experiencia en psicología, junto con su destreza musical y experiencia en electrónica, Herb ha logrado una integración única de metafísica, meditación, música y electrónica y, a través de este proceso, ha podido sintonizar con niveles más profundos de sensibilidad para crear. música que incorpora símbolos tonales para crear un significado intuitivo que permita al oyente comunicarse y comunicarse con el Yo Interno o Superior. Herb Ernst: Angels & Ecstasy (1997) Temas: 1 Angel Wings 2 Sweet Devotion 3 Magic Love 4 Heaven On Earth 5 Angel Of The Lovers 6 Two Hearts Enfolded 7 Touch 8 Romantique Fantastique 9 The ing

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Nacido como Philippe Pagès el 28 de diciembre de 1953, conoció el piano temprano en su vida. Su padre, profesor de piano, sentó las bases para el éxito posterior de su hijo y comenzó a enseñarle a tocar a una edad muy temprana. Se dice que, a la edad de seis años, Richard Clayderman podía leer música con más destreza que su francés nativo.Éxito temprano A los doce años fue aceptado en el Conservatorio de Música donde, a los dieciséis, ganó el primer premio. Se le predijo una prometedora carrera como pianista clásico. Sin embargo, poco después, y para sorpresa de todos, dejó de lado su formación clásica y se dedicó a la música contemporánea. “Quería hacer algo diferente”, dice Clayderman, “Entonces, con algunos amigos, creé un grupo de rock; fue un momento difícil… .. un momento difícil… .. y el poco dinero que pudimos ganar fue dedicado a la compra de equipos. De hecho, me alimentaba tan mal, principalmente de bocadillos, que tuve que operarme de una úlcera cuando solo tenía diecisiete años ”. En ese momento, su padre estaba gravemente enfermo y no podía mantener económicamente a su hijo. Entonces, para ganarse la vida, Clayderman encontró trabajo como acompañante y músico de sesión. “Lo disfruté”, dice, “y al mismo tiempo pagó bien. Así es como me alejé de la música clásica, aunque me dio una base sólida para lo que hago ahora ”. Su talento no pasó desapercibido y pronto se hizo muy solicitado como acompañante de grandes estrellas sas como Michel Sardou, Thierry LeLuron y Johnny Halliday. Pero, cuando se le preguntó acerca de sus ambiciones en ese momento, dijo: “! Realmente no quería ser una estrella, estaba feliz de ser acompañante y de tocar en grupos ”. Sin embargo, su vida cambió drásticamente en 1976 cuando recibió una llamada telefónica de Olivier Toussaint, un conocido productor discográfico francés, que, con su socio Paul de Senneville, buscaba un pianista para grabar una suave balada de piano. Paul había compuesto esta balada como homenaje a su hija recién nacida “Adeline”. Philippe Pagès, de 23 años, hizo una audición junto con otros 20 aspirantes y, para su asombro, consiguió el puesto. El nombre de Philippe Pagès se cambió a Richard Clayderman (adoptó el apellido de su bisabuela para evitar la pronunciación incorrecta de su nombre real fuera de Francia), y el single despegó, vendiendo 22 millones de copias en 38 países. Se llamaba "Ballade pour Adeline". Fue el comienzo de lo que se ha convertido en una destacada historia de éxito y, desde entonces, el estilo de piano distintivo de Richard Clayderman le ha valido el estatus de superestrella en todo el mundo. Hoy ha grabado más de 1.200 melodías y, en palabras de un periodista alemán, “podría decirse que ha hecho más por popularizar el piano en todo el mundo que nadie desde Beethoven”. Richard Clayderman ha creado un estilo "New Romantic" a través de un repertorio que combina sus originales de "marca registrada" con clásicos y estándares del pop. Ha registrado ventas récord mundiales masivas de aproximadamente 90 millones, según el último recuento, y la increíble cantidad de 267 discos de oro y 70 discos de platino en su haber. Sin embargo, "El príncipe del romance" (como lo llamó Nancy Reagan) no es simplemente un artista de grabación. De hecho, a pesar de su timidez y reserva natural, está completamente en su elemento en el escenario; un concierto de Richard Clayderman es un verdadero "Espectacular". “Me encanta tocar en vivo en el escenario”, dice, “porque tengo o directo con mi público. En concierto, con mis 10 músicos o una orquesta sinfónica, me gusta mezclar diferentes tempos, ritmos y estilos para evocar todo tipo de emociones ”. El éxito internacional de Clayderman ha resultado en un itinerario de castigo que, en el pasado, lo ha visto tocar hasta 200 conciertos en solo 250 días fuera de Francia. A pesar de esto, sigue siendo un hombre de familia. Richard Clayderman: The Best of Richard Clayderman (2016) Temas: 00:00 Hungarian Sonata 03:16 A Comme Amour 06:34 Mariage D Amour 09:15 For Elise 13:29 For My Sweetheart 16:24 Jardin Secret 18:37 Ballade Pour Adeline 21:17 Love Story 24:21 Green Fields 26:56 Black Bird Flies 29:13 Turkish Rondo 32:34 Romeo & Juliet (A Time For Us) 34:53 Concerto Pour Une Jeune 38:37 Winter Sonata 42:11 Right Here Waiting For You 45:58 Invisible Love 49:27 Can You Feel The Love Tonight 52:39 Love Is Blue 55:37 Boulevard Des Solitudes 59:21 The Sound Of Silence 1:02:36 Gemini 1:05:48 Yesterday Once More 1:09:03 I Have A Dream 1:12:12 Top Of The World 1:15:20 When You Tell Me That You Love Me 1:19:55 Serenade 1:23:06 Moonlight Sonata 1:26:34 Lemon Tree 1:29:50 Woman in Love 1:32:19 Les Derniers Jours d’Anastasia Kemsky 1:35:37 Nothing’s Gonna Change My Love For You 1:38:55 Fall In Love 1:42:03 I Will Always Love You

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. The Daydream (El ensueño) es un pianista de Corea del Sur, también conocido como Renodia. Cuenta con varios álbumes: The Daydream - Dreaming (2001), The Daydream - Little Comfort (2004) y The Daydream - A Melody Tree (2007). I Miss You entró en el tracklist del álbum Dreaming de 2001, pero el propio autor la considera su mejor composición, al menos ella se refiere a ella como “La mejor composición”. Me gusta dar ha conocer datos de la biografia de los compositores que os traigo, pero he encontrado muy poca sobre este artista, puede deberse a la lejania de ese pais y al hecho de que otros grupos y solistas han decidido llamarse así en los últimos años, aunque en Corea es muy conocido por sus discos dulces y melodicos y por componer alguna bandas sonoras, en estos enlace os dirijo a otros disco que he subido de este autor y compositor: https://ivoox.juegazos.net/concerto-d-amor-the-daydream-audios-mp3_rf_593333_1.html https://ivoox.juegazos.net/little-comfort-2004-the-daydream-audios-mp3_rf_9386491_1.html https://ivoox.juegazos.net/walking-slowly-the-daydream-audios-mp3_rf_60268307_1.html The Daydream: Sentimental Dream (The Best of Daydream) (2011) Temas: 01 Stepping on the Rainy Street 01:48 02 Little Comfort 04:17 03 Daydream 07:08 04 Beautiful Lady 05:14 05 Scent of a Morning 04:14 06 For Your Happiness 02:14 07 Again 02:52 08 Daydream II 02:41 09 Happy Spring 05:58 10 Waiting on the Rainy Street 02:44 11 Daydream III 03:59 12 Daydream IV 03:26 13 Tears 04:00 14 Apple Mint 02:44 15 Jasmine 03:32 16 Concerto D'Amour 04:51 17 Sleeping Forest 03:24 18 A Princess of Goguryeo 03:28 19 Love Is…, Pt. 1 03:55 20 Rainy Sunday 03:20 21 Love 03:27 22 ing You 04:54 23 Daydream VI 03:00 24 Memories of the Winter 03:53

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Pianista y compositor, Nadama ha viajado por todo el mundo, componiendo e interpretando su música en países como Alemania, Italia, India y Japón. Su primer lanzamiento en solitario fue Heart to Heart, un álbum místico-romántico con New Earth Records. También ha realizado giras por Europa con las bandas de música del mundo Terra Incognita y Hamsafar y ahora actúa principalmente como solista en la isla de Maui, Hawaii. Además de su carrera musical, ha estudiado yoga, masajes y meditación. Melodías que van directo al corazón dentro de atmósferas espaciosas se han convertido en la firma de Nadama. Sobre su música, dice: 'Me gusta imaginar mi música como un espacio donde las personas pueden conectarse con sus corazones y desaparecer más en los sonidos, un espacio donde el oyente puede relajarse en su ser y experimentar su propio amor y silencio interior'. En Love is el compositor nos trae suaves y elegantes melodías de piano, acompañadas de arpa, flauta y vientos de madera se funden armoniosamente en orquestaciones que tocan el corazón y alivian el espíritu. De estilo clásico y romántico, Nadama nos evoca sentimientos de amor, ternura y relajación. Este sonido sirve como un hermoso ambiente relajante para una cena a la luz de las velas o como un gran compañero para un masaje relajante. Nadama: Love is (2003) Temas: 01 Gift of Love -- 05:28 02 Love in the Air -- 05:53 03 Sweet Surrender -- 06:16 04 Rose of the Heart -- 05:42 05 Dancing in your Garden -- 04:42 06 Deeper into Love -- 06:54 07 Love Is -- 08:02 08 In the Rain -- 06:05 09 Together Alone -- 05:31

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Georg Deuter (Falkenhagen, Alemania, 1945) es un músico multi-instrumentalista de género New Age, conocido por su estilo meditativo que combina sonidos de Oriente con los de Occidente. Deuter es un músico autodidacta. Toca la guitarra, la flauta, la armónica y aprendió a tocar "casi todos los instrumentos que podía llegar a mis manos" por sí mismo, aunque no fue hasta después de un corto fatal accidente automovilístico en sus primeros 20 años que decidió seguir una carrera en la música. Su primer lanzamiento fue "D" (1970), ampliamente reconocido como un clásico del krautrock (corriente musical de rock experimental surgida en Alemania Occidental a fines de los años 60). "D" marcó el comienzo espiritual de Deuter y un nuevo viaje dentro del mundo de la música; aparentemente en ese entonces, preparaba el camino para un este nuevo género actualmente conocido como "New Age", combinando acústicos y elementos electrónicos con instrumentos étnicos y sonidos de la naturaleza, como ballenas y aves, el mar abierto, el viento en los árboles, etc. Durante los años setenta y ochenta, Deuter, después de viajar extensamente por Asia en búsqueda espiritual y de inspiración creativa, vivió por un largo tiempo en Pune (India) donde bajo el nombre de Chaitanya Hari se convirtió en un neo-Sannyasin, un discípulo de Bhagwan Shree Rajneesh, que más tarde cambió su nombre por el de Osho. A principio de los años 90, Deuter - quien siempre conservó su nombre profesional - terminó su larga relación con Kuckuck y se trasladó a Santa Fe, Nuevo Mexico, donde firmó un acuerdo con Nueva Tierra Records, un sello independiente fundado por compañeros Sannyasin. Estos trabajos resultaron muy lucrativos tanto para Deuter como para Nueva Tierra Records. La mayoría de ellos destinados a acompañar prácticas espirituales y meditativas, tales como Reiki, masaje y técnicas de meditación. En el caso de Tierra Azul (2003), una colaboración con la Autostadt Volkswagen - fábrica en Wolfsburg, Alemania - ha vendido más de medio millón de copias. Deuter sigue aprendiendo a dominar cada vez mayor cantidad de instrumentos, incluido los tambores, la flauta shakuhchi, el koto, sitar, tibetano canto tazones, santoor, bouzouki, piano y teclado. Ha grabado y lanzado cerca de 60 álbumes y afirma haber vendido más de lo que puede contar en el transcurso de su carrera. Deuter: Call Of The Unknown (Selected Pieces 1972-1986) (1986) Temas: 01 Starchild 4:06 02 Peru Le Peru 8:16 03 Call Of The Unknown 4:59 04 Cathedral 2:56 05 From Here To Here 3:15 06 The High Road 5:19 07 Pacifica 5:22 08 Silence Is The Answer (Part 4) 12:35 09 Silence Is The Answer (Part 5) 1:09 10 Haleakala Mystery 11:38 11 Aum 2:28 12 Solitary Bird 5:05 13 La Ilaha Il Allah 5:02

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Enigma es un proyecto musical electrónico alemán creado por Michael Cretu en 1990. Cretu concibió el proyecto Enigma mientras estaba trabajando en Alemania, aunque decidió emplazar los estudios de grabación A.R.T. Studios en la isla de Ibiza (España) desde principios de los años 1990 hasta mayo de 2009, donde grabó todos los álbumes de estudio de Enigma. Cretu es tanto el compositor como el productor del proyecto. Su exesposa, la cantante Sandra, había colaborado vocalmente en algunos temas de los discos de Enigma. Jens Gad participó como coarreglista y también como guitarrista en tres de los álbumes de Enigma. Peter Cornelius contribuyó también con Enigma durante los años 1990. Ocho álbumes de estudio han sido producidos bajo el nombre del proyecto. Cretu había sido una de las primeras personas en hacerse construir un estudio de grabación digital privado en casa, e incluir samples vocales y elementos musicales no percusivos en sus grabaciones, como cantos gregorianos y la flauta shakuhachi. Enigma llegó a vender más de 70 millones de discos a nivel mundial, por lo cual recibió más de cien certificaciones de disco de oro y platino. El proyecto musical recibió asimismo tres nominaciones a los premios Grammy y se le consideró como uno de los más exitosos proyectos musicales. Michael Cretu ya tuvo su propia carrera musical en marcha desde finales de la década de 1970, y, aparte de algunas colaboraciones con otros músicos, también produjo los discos de la cantante Sandra, con la que se casaría en 1988. Antes de Enigma publicó algunos álbumes bajo su propio nombre, pero ninguno de ellos vendió particularmente bien. Cretu reveló en una entrevista que llegó a creer que sus ideas ya se habían agotado para entonces. En diciembre de 1990, y después de ocho meses de preparación, Cretu publicó el álbum de debut de Enigma, MCMXC a.D.. El álbum recibió 57 discos de platino por lo que significaron sus ventas en todo el mundo, encabezando las listas en 41 países,1​ y convirtiéndose así en el mayor éxito que tuvo Virgin Records durante aquel tiempo. Dicho álbum tuvo una repercusión comercial mundial a través del sencillo «Sadeness (Part I),», que yuxtaponía, sobre un ritmo bailable, cantos gregorianos y alusiones sexuales, lo que era muy peculiar para los oídos del público de entonces. Cretu explicó después que el álbum trataba sobre crímenes sin resolver y de temas filosóficos, como la vida después de la muerte: de ahí el nombre Enigma. «Sadeness (Part I)» pronto subió a lo más alto de las listas de Alemania y Francia, llegando a alcanzar un gran éxito internacional. El título del álbum MCMXC a.D. es la numeración romana para el año de su lanzamiento, 1990. Las voces gregorianas para «Sadeness (Part I)» fueron extraídas en su mayoría del álbum Paschale Mysterium (1976) por el coro Capella Antiqua de Múnich, dirigido por Konrad Ruhland, concretamente de su tema «Cum Angelis + Salmo 24 (23)». Las voces se utilizaron al principio sin permiso pero la sentencia judicial de 1994 obligaron compensar al coro. Antes de que el álbum fuera publicado, Cretu tomó la decisión de no figurar en el disco con su verdadero nombre, ni mencionar el nombre real de la mayor parte de sus colaboradores. Él mismo se acreditó con el nombre de Curly M.C. (curly significa «rizado» en inglés, en referencia al tipo de pelo de Michael Cretu; y M.C. eran las iniciales de su nombre y apellido). Con ese anonimato trató de concentrar al público solo en la música, creando un halo de misterio de quién o quiénes se escondían tras el nombre de Enigma. En 1993, unos productores le ofrecieron la posibilidad de componer la banda sonora original de la película cinematográfica Sliver, siéndole a Cretu imposible de aceptar tal ofrecimiento. En cambio, presentó los temas «Carly's Song» y «Carly's Loneliness» (dos versiones de «Age of Loneliness», tema que aparecería en su siguiente álbum The Cross of Changes), que fueron usados en la película y acreditados en la banda sonora correspondiente.2​ The Cross of Changes, editado en el mismo año 1993, tuvo una aceptación pública igual a como la tuvo el álbum anterior, aunque vendiendo menos copias de las esperadas. De ese disco procedió uno de los sencillos más exitosos de Enigma, «Return to Innocence». Sin embargo, tanto este álbum como MCMXC a.D. fueron objeto de sendas demandas judiciales por contener material sampleado ilegalmente y sin acreditar a sus autores originales. En 1996 salió al mercado Le Roi Est Mort, Vive Le Roi!. La idea de Cretu era que este tercer álbum fuese el hijo de los otros dos previamente editados, y por tanto, incluyó elementos familiares como los cantos gregorianos y cantos sánscritos/védicos en él. Aunque el disco se había elaborado tan meticulosamente como los dos álbumes anteriores, no llegó a alcanzar el mismo nivel de éxito. Como resultado, solo dos sencillos, de los tres originalmente planeados, vieron la luz, siendo el tercero («The Roundabout») cancelado en 1998. El álbum The Screen Behind the Mirror, publicado en 2000, incluyó samples del Carmina Burana de Carl Orff en cuatro de los temas del disco. Se prescindió un poco de los cantos gregorianos, pero aún conservaba las flautas shakuhachi y otros sonidos tradicionales de Enigma. Solo «Gravity of Love» y «Push the Limits» salieron como sencillos del álbum. Ruth-Ann Boyle, de la banda británica Olive, y el cantante jamaicano Andru Donalds, aparecieron por primera vez en el proyecto Enigma. En 2001, Cretu publicó un nuevo sencillo llamado «Turn Around» al mismo tiempo que los recopilatorios Love Sensuality Devotion: The Greatest Hits y Love Sensuality Devotion: The Remix Collection, para terminar lo que consideraba era el final de una etapa de Enigma. Como promoción, se estrenó un espectáculo de luz en el Planetario de Múnich en conjunción a la edición de los dos álbumes recopilatorios. Publicado en 2003, el álbum Voyageur significó un cambio profundo en el sonido de Enigma. Prácticamente todos los famosos elementos musicales que había usado Cretu en sus anteriores trabajos (los cantos étnicos y gregorianos, las famosas flautas shakuhachi) se dejaron de usar en este disco. Como resultado, a gran parte del público no le fue fácil apreciar esta nueva dirección tomada por el artista, afectando negativamente a la venta del álbum. Desde el punto de vista estadístico, cada nuevo álbum de Enigma vendía cerca de la mitad de lo que había hecho el disco anterior. El 28 de agosto de 2005 se había anunciado para el mes de octubre la publicación de un nuevo sencillo titulado «Hello + Welcome». Sin embargo, se pospuso para el 25 de noviembre, con la idea de promocionar con su música el combate de boxeo que tenía que disputar el deportista alemán Felix Sturm. Al ser anulada temporalmente dicha cita del torneo, se tuvo que retrasar, también, la publicación del sencillo, para que coincidiera con el combate pendiente del boxeador alemán. Finalmente, «Hello + Welcome» se editó por fin en Alemania el 10 de marzo de 2006. Tal como sucedió con el anterior trabajo de Michael Cretu (el álbum Voyageur), «Hello + Welcome» apenas tuvo similitud musical con los primeros trabajos de Enigma. Para conmemorar los quince años de Enigma, se lanzó el 9 de diciembre de 2005 un estuche especial de edición limitada titulado 15 Years After, que llevaba una portada basada en un cuadro artístico de Leonardo da Vinci, y que en el interior guardaba ocho discos: cinco CD para los cinco álbumes editados previamente, dos DVD (MCMXC a.D. The Complete Video Album, y the Future) y un exclusivo CD con material inédito llamado The Dusted Variations, que incluía los grandes éxitos de Enigma reelaborados por los productores británicos Rollo y Mark Bates para su proyecto musical Dusted. En este caso, los productores ingleses remezclaron los temas sin utilizar los samples y voces originales, al tiempo que conseguían que los temas sonaran de una forma etérea y semejante al de una orquesta de cámara. También estaba incluido en este CD el sencillo «Hello + Welcome», aún no editado por esas fechas. El mismo Michael Cretu, apoyando la promoción de este estuche de edición especial, se desplazó a Uden (Países Bajos), donde se estaban fabricando, para firmar los 1000 ejemplares que se destinarían a los 1000 primeros compradores del producto. El 26 de septiembre de 2006, se publicó a nivel mundial el sexto álbum de Enigma, A Posteriori, que contenía una nueva versión de «Hello + Welcome». Incluía el que iba a ser el nuevo sencillo, «Goodbye Milky Way», que finalmente no se llegó a editar físicamente, pudiéndose solamente descargar digitalmente a través de iTunes. El sonido del álbum estuvo orientado mucho más al techno/pop electrónico que cualquiera de los discos anteriores publicados por Cretu. El concepto estaba basado en ciencias como la astronomía, la física, la historia, y la sociología. El 16 de diciembre de 2006 salió publicado la versión en DVD de A Posteriori, que incluía imágenes caleidoscópicas sincronizadas con la música que reproducía. A finales de marzo de 2007 estuvo disponible el álbum A Posteriori en la Tienda de iTunes en la versión especial Private Lounge Remix. Esta recopilación incluía doce pistas remezcladas por artistas como Boca Junior, Tocadisco, y otros. Algunas de estas pistas estaban previamente editadas tanto en la versión original de dicho álbum lanzado también en iTunes, como en el DVD de mismo nombre. El 19 de septiembre de 2008 se publicó el séptimo álbum de Enigma, Seven Lives Many Faces, que llegó a estar también disponible en la Tienda de iTunes, con comentarios del propio Michael Cretu añadidos a cada pista y título del disco original, aparte de incluir un tema inédito más. El álbum ampliaba los nuevos sonidos creados por Michael Cretu en su anterior trabajo. Previamente, se publicó el 15 de agosto el nuevo sencillo «La Puerta del Cielo»/«Seven Lives», en el cual se apreciaba la fusión de elementos musicales modernos y clásicos. El 21 de octubre se anunció el nuevo sencillo «The Same Parents», que estaría disponible solo a través de la descarga digital en iTunes. The Platinum Collection —un recopilatorio conformado por tres CD— se había publicado el 27 de noviembre de 2009 en Alemania, editándose a nivel mundial el 9 de febrero de 2010. El primer CD contenía los éxitos de Enigma; el segundo, remezclas; y el tercero, una colección de «piezas musicales perdidas» con las que Michael Cretu experimentaba, y las cuales nunca había finalizado y llegado a publicar anteriormente. Tras ocho años de inactividad en el año 2016 Michael Cretu publicó a través de su cuenta de Facebook un mensaje de lo que viene siendo su próximo álbum de estudio titulado The Fall of a Rebel Angel. Enigma: MCMXC a.D. (1990) Temas: I. The Voice of Enigma II. Principles of Lust A. Sadeness B. Find Love C. Sadeness (Reprise) III. Callas Went Away IV. Mea Culpa V. The Voice & The Snake VI. Knocking on Forbidden Doors VII. Back to the Rivers of Belief A. Way to Eternity B. Hallelujah C. The Rivers of Belief + Enigma: The Cross Of Changes (1993) Temas: 1 Second Chapter 2 The Eyes Of Truth 3 Return to Innocence 4 I Love You, I'll Kill You 5 Silent Warrior 6 The Dream of the Dolphin 7 Age of Loneliness 8 Out From the Deep 9 The Cross of Changes

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. La pasión de Deborah Martin es visualizar y crear música que lleve a cada oyente en un viaje a través del tiempo y el espacio. Con una vívida imaginación y un profundo amor por los lugares históricos y los pueblos del pasado, la vemos bendecida; porque son pocos, esos visionarios, que pueden traer al presente, ya nuestros corazones, el espíritu de aquello que se ha perdido tan completamente en la antigüedad. Deborah ha viajado extensamente por Europa, Asia y el continente de América del Norte, experimentando de primera mano la diversidad de culturas y los hilos históricos que se entrelazan y nos conecta a todos. Esta perspectiva le permite reconocer y descubrir vínculos entre presente y pasado, e interpretar el panorama resultante con un estilo compositivo propio. Deborah se unió a Spotted Peccary Music en 1991, con contribuciones musicales en el álbum "Tracks in Time". Deborah afirma: "Quería combinar elementos visuales de lugares, personas y eventos de hace mucho tiempo con el sonido". Sus tres composiciones, "Tracks In Time", "Watercolors" y "Forgot In Stone" hicieron precisamente eso y mucho más. Continuando con la inspiración del pasado y la respuesta entusiasta de las composiciones de "Tracks in Time", Deborah creó "Under The Moon", que recibió una amplia difusión en los Juegos Olímpicos de 1996 en Atlanta. "Under The Moon" te lleva en un viaje apasionante, desde el anochecer hasta el amanecer, a la luz y la sombra de la luna, a un reino interior de serenidad y gracia. Deborah contó con la ayuda del conocido bajista y amigo Tony Levin para darle vida a su visión, creando una experiencia verdaderamente mágica para el oyente. Tras el éxito de "Under The Moon", Deborah comenzó a trabajar en "Ancient Power" colaborando con Steve Gordon. "Ancient Power" fue pura magia desde el principio ", afirma Deborah," todo encajó en su lugar ". Deborah trabajó en estrecha colaboración con Edgar Perry, un Apache de las Montañas Blancas del Clan del Águila, para completar el proyecto. “Edgar nos contó historias de la historia de su pueblo. Se convirtió en la base de la música, que proviene de un lugar muy profundo y antiguo dentro de cada uno de nosotros ”. Deborah se unió nuevamente con el artista invitado y amigo Tony Levin para su próxima visión musical en solitario. A la vez delicado y poderoso, "Deep Roots, Hidden Water" brinda melodías susurrantes y movimientos de acordes exuberantes e inquietantes que los fanáticos de la música de Deborah esperan y disfrutan. El lienzo para la coloración dramática de este proyecto está enriquecido con bajos arqueados, guitarras texturizadas y Taos Drums. Con Coyote Oldman contribuyendo con pistas de varias flautas nativas americanas, el viaje se completó. El efecto es simple y sublime. Deborah explica: "Quería seguir explorando los caminos de cómo llegamos a existir, para buscar más profundamente en el legado de nuestro pasado: la huella de nuestros pasos a través del tiempo". Después del lanzamiento de "Deep Roots, Hidden Water", Deborah continuó trabajando en varias colaboraciones con otros artistas de grabación para crear esa elusiva magia musical que parece suceder cuando los artistas combinan ideas creativas. “Me encanta trabajar con otros artistas”, explica Deborah. “Nunca se sabe lo que va a pasar y, de repente, hay una explosión de ideas y la música fluye. Es muy estimulante y emocionante ". “Convergence” fue el resultado de la colaboración de conciertos en vivo con los artistas de Spotted Peccary Greg Klamt y Mark Rownd. “Convergence” es un magnífico álbum contemporáneo, cálido y acogedor, una aventura auditiva verdaderamente única. Después del lanzamiento de "Convergence", Deborah se embarcó en un viaje con los artistas Cheryl Gallagher y Mark Hunton. Al grabar las vistas y los sonidos de los pueblos de Nepal y el Tíbet, experimentaron de primera mano la majestuosidad, la belleza y el espíritu de esa parte etérea del mundo a la que a menudo se hace referencia como "la tierra sobre las nubes". Deborah y Cheryl comenzaron a trabajar en un proyecto basado en las experiencias del viaje. El "Tíbet" resultante está lleno de impresiones musicales ricas en texturas y muy expresivas destinadas a llevar al oyente en el mismo viaje que estos artistas habían experimentado. Aclamado por la crítica y acogido por todos los que lo escuchan, "Tibet" sigue siendo uno de los álbumes más honestos y sinceros que jamás haya llevado el nombre de esa tierra majestuosa e inspiradora. El lanzamiento más oscuro y misterioso de Deborah hasta la fecha es “Anno Domini”, un proyecto de colaboración con el artista de Spotted Peccary J. Arif Verner. “Anno Domini” vuelve a temas históricos y la conexión entre pasado y presente al tiempo que invoca el tema de los espacios sagrados. En “Anno Domini”, Martin y Verner usan texturas ambientales de sintetizador y guitarra para preparar el escenario y las inquietantes y hermosas frases y melodías vocales latinas de Deborah actúan como un faro para guiar el camino a través de las profundidades del alma. Ya sea colaborando con otros artistas o trabajando en sus propios proyectos en el futuro, Deborah Martin, una de las artistas más vendidas de Spotted Peccary Music seguramente inspirará a los oyentes con visiones del pasado y el presente; y cuando llegue el momento de revelar la próxima entrega de su saga musical, es seguro que será una para todas las edades. Deborah Martin: Under the Moon (Special Remastered 20th Anniversary Edition)(2015) Temas: 00:00​ Twilight 03:08​ Aurora 07:31​ Nymphea 10:26​ Rainbow Man 14:20​ Night's Shadow 17:13​ Under the Moon 20:10​ Gray Sky 25:44​ Maker of Dreams 29:15​ Midnight 32:09​ Before Dawn

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Ernesto Cortazar fue un reconocido intérprete de piano de origen mexicano. Su diversa obra fue aclamada y muy bien aceptada en todo el mundo; incluso celebridades de Hollywood como Charlton Heston, Michael Bolton y The Rolling Stones, disfrutaron entusiastamente de algunos de los conciertos de este pianista. Con una vida llena de éxitos, Ernesto murió en 2004 en México al lado de su familia. Ernesto Cortazar nació en la ciudad de México y su padre, tambien llamado Ernesto Cortazar, fué el presidente fundador de la Sociedad de Compositores (SACM). A la edad de 13 años, Ernesto Cortazar perdió trágicamente a sus padres en un accidente automovilístico, pero a pesar de esta gran pérdida, Ernesto siguió sus estudios musicales y a la edad de 17 años comenzó a musicalizar películas de largometraje. A los 18 años logró conseguir el premio de –Mejor Música de Fondo Para una Película Latinoamericana- en el Festival Internacional de Cartagena Colombia con la melodía “River of Dreams” (Río de Sueños), la cual titula ahora uno de sus albums más exitosos. Desde entonces, Ernesto Cortazar musicalizó más de 500 películas mexicanas e internacionales como: El Chanfle (Chespirito), Santa Sangre (Alejandro Jodorowsky), La Risa de la Ciudad (Julio Aleman) y Modisto de Señoras, Fray don Juan (Mauricio Garcés) entre muchas, muchas otras más. Ernesto Cortazar viajó a mas de 25 países interpretando sus melodias en fiestas privadas y eventos politicos para figuras como el Presidente Menem de Argentina en la casa Rosada; Nikita Krushev en el Kremlin y para los Presidentes Lopez Portillo y Miguel de la Madrid en Los Pinos. Así mismo, Ernesto Cortazar tuvo el honor de interpretar personalmente sus creaciones musicales en fiestas privadas de estrellas como: Los Rolling Stones (Hotel Ritz-Carlton de Cancún), Charlton Heston y Danny De Vito (Los Angeles, California), Octavio Paz, Michael Bolton y Reba McEntire entre otros. Catalogada quizás como música de piano relajante, la obra de Ernesto fue vasta pues realizó más de 30 álbumes, vendiendo aproximadamente 30 mil copias en casi 70 países diferentes; datos asombrosos si se considera que lo hizo de manera independiente sin pertenecer a ninguna disquera. Ernesto Cortazar logró convertirse en el artista #1 de mp3.com durante los años 1999 y 2001, logrando más de 14 millones de descargas (s), formando parte de un roaster de artistas independientes de más de 130,000 personas. Sus paginas de internet fueron visitadas por más de 4 millones de personas y vendió más de 30,000 discos en 69 países sin tener ningún contrato discográfico ni agencia de representación. En el año 2001, Ernesto Cortazar se mudó de Los Angeles California a Tampico, México a vivir sus últimos años junto a su esposa y familia enfrentando una dura batalla contra el cancer para después fallecer en el año 2004. La calidad de sus conciertos, temas de películas y el tono dulce de su piano, le han hecho ganar un sitio importante en el talento musical del siglo pasado, mismo que ha sido inmortalizado no sólo por sus obras tan diversas, sino también ahora a través del talento de sus hijos. Ahora, sus hijos Ernesto Cortazar III y Edgar Cortazar, continúan el legado musical de la familia Cortazar siendo reconocidos compositores del mercado Latino. Ernesto Cortazar: Best Collection (2020) Temas: 01 Intimate Liaison 02 At The End Of The Horizon 03 Fiesta Americana Grand Los Cabos 04 Forever You And I 05 Nights Of Silk And Tears 06 Sicilian Romance 07 Dalí 08 60 Years 09 Secret Feelings 10 Free As A Seagull 11 Neither Time Nor Distance 12 The Forest's Awakening 13 Between Thorns And Roses 14 All The Things We Shared 15 The Swan's Tale 16 Story of a True Love 17 Our Wedding Day 18 Falling Leaves 19 Forever Maria 20 Reencounter

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Nacido en la ciudad de Dunedin, en el sur de Nueva Zelanda, David pasó la mayor parte de sus primeros años en una dieta musical de folk y rock británico. Desde los 15 años, David tocó regularmente en bandas como guitarrista acústico y bajo, recorriendo muchos de los lugares más remotos del país. La mayor parte de la tercera década de David la pasó en Europa, sobre todo en Irlanda, Francia, Alemania y Austria, donde enseñó inglés y música. Un largo período de viajar por la autopista hippie lo puso en o con las muchas culturas del Medio Oriente, el subcontinente indio, Nepal y América del Sur y Central, a las que regresa regularmente. Su amor por la música, los viajes y la tecnología se combinó cuando conoció a Jon Mark, ex miembro de la banda Mark-Almond, y su socia Thelma Burchell y fue invitado a unirse a su sello White Cloud. La implicación de David con White Cloud le presentó a los artistas neozelandeses Philip Riley y Peter Pritchard: una asociación que continúa y se desarrolla. David continúa viajando por el mundo en su búsqueda de experiencias musicales y culturales y grabando los sonidos de los entornos y culturas para las generaciones futuras. Ha explorado el Pacífico, el Lejano Oriente y el continente americano y, sin embargo, su mayor inspiración sigue siendo la belleza natural del extraordinario paisaje de Nueva Zelanda. David ahora vive en Auckland, donde dirige Music Restoration NZ, una casa de producción y masterización digital especializada en la restauración de valiosas grabaciones históricas. David Antony Clark es un nuevo tipo de explorador, su espíritu aventurero guiado no por el sextante y la brújula, sino por los instrumentos y gráficos del compositor y las pisadas débiles de sus antepasados. En su búsqueda por trazar un mapa del paisaje sonoro de nuestro viaje humano, atraviesa continentes, escuchando ecos de ritmos antiguos. Luego vierte estas reliquias primarias en su crisol musical y agita suavemente nuestras almas. En Terra Inhabitata la belleza mística de la antigua Nueva Zelanda y su vida salvaje antes de la llegada de la habitación humana. Es el sonido definitivo de Nueva Zelanda. Aquí David ha fusionado su fascinación por los antiguos instrumentos y teclados maoríes para explorar el pasado lejano de este país. En los primeros segundos del álbum, el grito de Morepork se eleva por encima de las notas de teclado de David Antony. Clark's 'Gondwana's Ark', la primera pieza de su álbum, Terra Inhabitata. El koauau, una pequeña flauta maorí, se suma al ambiente del entorno natural. El medio ambiente juega un papel importante en estas interpretaciones. Desde un 'Moa Swamp' hasta una 'Avalancha de nieve', somos transportados del concreto y el vidrio a la punga y la niebla. Con una miríada de cantos de pájaros nativos cantando de fondo:escuche la llamada del Moa mientras recorre los humedecidos paisajes verdes de antaño ". David Antony Clark: Terra Inhabitata (1993) Temas: 1. Gondwana´s Ark 0:00 2. Primordial Tide 6:12 3. Flight Of The Giant Eagle 13:29 4. Moa Swamp 20:48 5. Boiling Earth 28:19 6. Glacial Retreat 34:28 7. Avalanche Of Snow 41:33 8. Regeneration 47:38

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Corciolli nació en la ciudad de Sao Paulo, Brasil en 1968 y comenzó a estudiar piano a los 13 años con Nair Tabet, discípula de Magdalena Tagliaferro. Luego, con Cacho Souza, perfeccionó el arte de armonizar e improvisar el jazz y la música brasileña. Sin embargo, fueron los sintetizadores electrónicos, con sus ilimitadas variables sonoras, los que profundizaron su relación con la música y la composición. Se licenció en Arquitectura, sin dejar nunca de lado la música. A lo largo de los años, tocó en varias bandas y también como pianista solista, pero fue la leyenda del bajo brasileño Celso Pixinga y poco después, con la banda de flamenco rumbera Espírito Cigano, la que consolidó su experiencia musical y profesional. En 1992, abandonó la banda en busca de sus propias melodías. Un año después, fundó su propio sello discográfico Azul Music , lanzando su primer álbum en solitario ALL THAT BINDS US. En 1995 salió el disco UNIO MYSTICA, atrevida suite musical grabada en el Monasterio de São Bento (en São Paulo) con cantos gregorianos, letras latinas medievales, voz de soprano y arreglos orquestales. Aclamado por el público y la crítica, el álbum fue lanzado en 40 países y recibió una bendición especial de Su Santidad el Papa Juan Pablo II. Al año siguiente, Corciolli actuó con los monjes tibetanos de Gaden Shartse en dos memorables conciertos en el “Memorial da América Latina”, en São Paulo. Con los monjes, grabó y lanzó el álbum THE NEW MOON OF EAST, el primer encuentro de la sagrada tradición tibetana con la música de un compositor occidental. Como artista independiente, sus notables logros incluyen más de 2 millones de CD vendidos; Participación en bandas sonoras y compilaciones internacionales junto a artistas como Hans Zimmer, Vangelis, Enigma, The Alan Parsons Project, Sarah Brightman y Luciano Pavarotti entre otros; Ha producido varios artistas y coordinado cientos de proyectos para Azul Music, incluyendo 2 colecciones de CD para la destacada revista brasileña “Caras”, que en conjunto suman 12 millones de CD comercializados en quioscos de todo Brasil. En los últimos años se ha dedicado a la composición de bandas sonoras de películas, incorporando el lenguaje de los sintetizadores a los sonidos acústicos y orquestales; Su música ha ganado un reconocimiento notable, especialmente en los Estados Unidos, donde tiene alrededor de 600.000 oyentes en la radio por Internet de PANDORA. JUBILEE es el 33º álbum del compositor y teclista Corciolli, lanzado en 2018 a través del sello Azul Music. Es una recopilación especial remasterizada de 14 temas que no aparecieron en los álbumes en solitario de Corciolli y muestra la versatilidad y creatividad del artista en su máxima expresión. Música para disfrutar en los espacios silenciosos del alma. Corciolli: Jubilee (2018) Temas: 1. Águas Celestes 2. Janela da Alma 3. Caminho Perfeito 4. Melodia das Florestas 5. Silêncio Interior 6. Espelho D’água 7. Fluxo 8. Entardecer 9. Meridianos 10. Compreendendo o Amor 11. Meditação dos Pássaros 12. Cinco Elementos

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Brian nació en Hollywood, California. Ha estado componiendo música desde que tiene memoria. Los familiares le dicen que cuando era muy pequeño empezó a silbar casi todo el tiempo. Cuando alguien le preguntaba qué estaba silbando, Brian solía responder algo como "No sé. Me lo inventé". Tenía solo seis años cuando sus padres compraron un piano de media cola, pensando que los talentos musicales de Brian podrían utilizar un medio más pulido. Pero Brian siguió silbando sus canciones. No se sintió atraído por el teclado. Cuando tenía diez años, Brian comenzó a tomar lecciones de piano, pero pronto se aburrió con las lecciones. Además, el piano le quitó tiempo a su nueva pasión, el béisbol. Entonces dejó el piano. Sin embargo, su necesidad de componer no se detendría. Sus amigos solían escucharlo silbar sus últimas composiciones durante la práctica o los juegos en el campo de béisbol. A esta temprana edad, Brian soñaba con convertirse en un jugador de béisbol profesional mientras silbaba sus propias canciones. Brian se sentaba ocasionalmente al piano casi olvidado. Improvisaba en el teclado, como siempre había improvisado con su silbido, jugando con las notas hasta que algo empezaba a sonar bien. Sin darse cuenta, estaba aprendiendo a tocar el piano por sí mismo. Además, sin la intención de hacerlo, Brian se estaba entrenando para componer en el piano. Cuando tenía poco más de veinte años, estaba componiendo canciones para películas infantiles premiadas. También estaba alimentando su sueño de jugar béisbol profesional, pero después de pruebas fallidas con equipos profesionales, tristemente dejó que ese sueño se le escapara. Fue durante este tiempo que su familia le sugirió que grabara sus obras de piano personales y las publicara en un CD. Nunca había considerado seriamente grabar para el lanzamiento de un CD, pero cuando grabó el primer álbum, fue tan bien recibido que comenzó a dedicar todo su tiempo a componer y grabar sus propios trabajos. Ahora bromea diciendo que lo mejor que le ha pasado nunca fue convertirse en un jugador de béisbol profesional. Los álbumes de Brian “Piano Opus” y “Piano and Light” experimentan con tiempos extraños y conceptos minimalistas. Escribir hermosas melodías además de una sincronización de 7/8 es un desafío adecuado para el amor de Brian por las matemáticas y la búsqueda de nuevas ideas en la música. También ha logrado un gran éxito con sus dos álbumes a dúo "Piano and Cello Duet" y "Piano and Violin Duet", inspirando a decenas de miles de pianistas, violines y violonchelos a interpretar las composiciones de Brian en todo el mundo. Muchas de las composiciones de Brian se utilizan en películas y comerciales de televisión en todo el mundo y en 2013 Brian fue honrado como Embajador Cultural Honorario de Yeongwol, Corea del Sur, uno de los sitios de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2018. Brian Crain: Piano and Light (2015) Temas: 00:00 - Softness and Light 05:38 - In the Meadow 08:31 - Moonlit Shore 14:11 - At the Ivy Gate 19:04 - Pastel Garden 21:57 - Under the Willow 26:23 - Reflecting Pool 30:49 - A Glimmer in Her Eyes 34:21 - Imagining 37:46 - Dream of Flying 43:17 - Song for Sienna

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Bill Douglas (nacido el 7 de noviembre de 1944) es un músico , compositor , pianista y fagotista canadiense cuyas obras recibieron influencia de la música clásica , el jazz , la música africana , brasileña [ aclaración necesaria ] e india , el funk de los setenta y muchos otros géneros. Ha realizado giras y grabaciones durante treinta años con el clarinetista Richard Stoltzman . Como fagot, ha tocado con las Orquestas Sinfónicas de Toronto y New Haven y ha grabado tres álbumes RCA con Peter Serkin y Tashi ( Ida Kavafian , Fred Sherry , Richard Stoltzman y Peter Serkin). Como pianista de jazz , ha realizado giras y grabaciones con el vibrafonista Gary Burton y el bajista Eddie Gómez . En 1994, la Sociedad de Compositores, Autores y Editores de Música de Canadá (SOCAN), el equivalente canadiense de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores (ASCAP) y Broadcast Music Incorporated (BMI), le presentó su compositor clásico de la premio del año. Sus composiciones han sido interpretadas por importantes orquestas y grupos de cámara de todo el mundo. Ha estado enseñando en la Universidad de Naropa en Boulder, Colorado durante veintinueve años. Bill Douglas nació el 7 de noviembre de 1944 en London , Ontario , Canadá. Su padre tocaba el trombón y cantaba en una big band , y su madre tocaba el órgano en la iglesia. Su primer recuerdo es de sí mismo tocando en una banda de un solo hombre con instrumentos de juguete cuando tenía tres años. Comenzó sus lecciones de piano a los cuatro años y aprendió por sí mismo el ukelele y la guitarra cuando tenía siete. A los ocho años, comenzó a escribir canciones influenciadas por los primeros músicos de rock como Little Richard , The Everly Brothers y Elvis Presley.. Sus dos hermanos formaron una banda en la que interpretó estas melodías y otras canciones de rock de la década de 1950. Cuando tenía trece años, comenzó a tocar el fagot y se interesó mucho tanto por la música clásica como por el jazz. Para entonces, Douglas definitivamente se había decidido por una carrera en la música. Sus héroes en el jazz fueron Bill Evans , Miles Davis y John Coltrane , y escribió sus primeras melodías de jazz a los catorce años. Recibió un diploma de " Asociado del Real Conservatorio de Toronto " en piano clásico a los diecisiete años. De 1962 a 1966, Douglas asistió a la Universidad de Toronto y obtuvo una licenciatura en educación musical . Durante este tiempo, se interesó mucho en la música clásica del siglo XX y comenzó a componer piezas influenciadas por Anton Webern , Elliott Carter e Igor Stravinsky , así como por artistas de jazz contemporáneo como Paul Bley y Gary Peacock . Tocó el cuarto fagot en la Sinfónica de Toronto y, a menudo, tocaba conciertos de piano de jazz los fines de semana. Douglas recibió una beca Woodrow Wilson Fellowship en 1966 y asistió a la Universidad de Yale de 1966 a 1969. Allí conoció al clarinetista Richard Stoltzman, y desde entonces han estado de gira y grabando. En 1967, Douglas tocó en tres conciertos con la Sinfónica de Toronto. Recibió una maestría en música con especialización en fagot en 1968 y una maestría en artes musicales en composición en 1969. En ese momento, Douglas escribía música atonal muy vanguardista . Después de Yale, recibió un premio del Consejo de Canadá para estudiar composición en Londres , Inglaterra durante un año. De 1970 a 1977, Douglas enseñó en el Instituto de Artes de California en Valencia, California . Aquí, se interesó mucho por la música africana e india. Comenzó a escribir una serie de estudios de ritmo para sus estudiantes llamados Rock Etudes (más tarde, el nombre se cambió a Vocal Rhythm Etudes ). Estos fueron influenciados por la música africana, india y brasileña, así como por la música clásica contemporánea, el jazz y el funk (particularmente el funk de los 70 de Miles Davis y Herbie Hancock ). Se han utilizado en muchas escuelas de América del Norte , y realiza al menos una de ellas en todos sus conciertos. Douglas también comenzó a escribir tonal y modal cortospiezas líricas para sus alumnos. Estos eventualmente se convirtieron en parte de su repertorio de conciertos, y ha grabado muchos de ellos. También grabó, en 1976, tres álbumes RCA de música de cámara clásica con el pianista Peter Serkin y Tashi. En 1977, se mudó a Boulder, Colorado para enseñar en el Instituto Naropa. Continúa enseñando allí y haciendo giras con Richard Stoltzman y sus propios grupos. Con Richard, también suele tocar con el bajista Eddie Gomez. Algunos de sus estudiantes de fagot de Cal Arts se mudaron a Boulder con él, y formaron la Boulder Bassoon Band que tocaron juntos durante veinte años. Bill Douglas ha grabado once CD de su música para Hearts of Space Records (propiedad desde 2001 de Valley Entertainment ). Seis de ellos han presentado a los Ars Nova Singers dirigidos por Thomas Morgan. En 1998, RCA lanzó un álbum titulado Open Sky: Richard Stoltzman toca la música de Bill Douglas. En marzo de 1999, Nexus y la Rochester Philharmonic Orchestra estrenaron su Concierto para Orquesta y Ensamble de Percusión Africana . En abril de 2005, Peter Cooper y la Orquesta Sinfónica de Colorado estrenaron su concierto para oboe.. En marzo de 2009, la Orquesta Filarmónica de Boulder estrenó su Concierto para Darbouka y Orquesta con el solista Rony Barrak. Entre los muchos músicos que lo han inspirado e influenciado se encuentran Johann Sebastian Bach , Bill Evans , Keith Jarrett , Josquin des Prez , William Byrd , Dietrich Fischer-Dieskau , Ralph Vaughan Williams y Ali Akbar Khan . Bill Douglas: A Bill Douglas collection (2020) Temas: 01 Hymn 02 Sweet Rain 03 Under the Moon 04 The Hills of Glencar 05 Homeland 06 My Love Is Like a Red, Red Rose 07 The Secret Rose 08 Spectrum of Violet 09 Iona 10 Child

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Bernward Koch (nacido el 23 de enero de 1957 en Siegen ) es un compositor, pianista y teclista alemán. Además, toca percusión, bajo y guitarra. Su música evoca principalmente un estilo relajante y tranquilizador, con una melodía claramente reconocible del piano, enriquecida con teclados, flauta, guitarra y percusión. Su primer lanzamiento, Flowing de 1989 , fue un éxito especialmente en los Estados Unidos (y Asia ), canción de éxito: "Ever Returns". El segundo álbum Laguna de la Vera alcanzó las primeras posiciones en el Billboard New Age Chart. Sus temas contribuyeron a varias compilaciones de beneficios de US-Aids, entre otros, junto con Sting , Bonnie Raitt , Al Jarreau , Ottmar Liebert , Dave Grusin , Dave Stewart . La canción "Touched by Love" del álbum Walking through Clouds aparece en un recopilatorio en Bélgica / Luxemburgo Universal Music Group junto con Ennio Morricone , Tony Bennett y Lang Lang . La Universidad Estatal de Weber en Ogden, Utah, recomienda su música como anti estrés . Muchas aerolíneas de todo el mundo aplican su "música contra el miedo a volar" . La canción "Childhood Hour", una pieza de su disco Walking through Clouds , se utilizó en la película premiada "Shaniko" con Melissa Goad en 2008. El álbum Montagnola fue grabado como una improvisación de solo de piano y está dedicado al escritor suizo alemán Hermann Hesse . Koch ha ganado premios como Piano Heaven Award en Inglaterra y Audiophiles Highlight Award de STEREO en Alemania. En 2012 ganó el premio cultural de su ciudad natal Wenden. Koch ha publicado trece álbumes hasta el momento, el lanzamiento actual se llama Filled with Light (Real Music, EE. UU.). Desde 2016, Koch es miembro oficial de The Recording Academy ( Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, NARAS) y, por lo tanto , miembro con derecho a voto de los premios Grammy . El pianista y multiinstrumentista alemán Bernward Koch (kahtch) ha experimentado un ascenso asombroso dentro de la escena musical internacional New Age durante las últimas décadas. La fama de Koch comenzó a ascender cuando el artista contribuyó con una pista para dos compilaciones en beneficio del sida iniciadas por las estaciones de radio de California KKSF y THE WAVE. En este esfuerzo, Koch estuvo entre grandes como Bonnie Raitt, Al Jarreau y Sting. La pista se llamó "Ever Returns", un gran éxito de su álbum debut Flowing (1989). Su segundo disco, Laguna de la Vera , fue rápidamente recogido por las listas de Billboard New Age durante meses, así como muchas otras pistas de su música, especialmente en varias compilaciones de Real Music como Piano Dreamers ,Encontrar el equilibrio y el iRelaxserie. La Universidad Estatal de Weber en Ogden / Utah recomienda su música como anti estrés. La pista "Childhood Hour" , una pieza de su disco Walking through Clouds , se utilizó en la película premiada "Shaniko" en 2008. Koch ha ganado premios como Piano Heaven Award, en Inglaterra, Audiophiles Highlight Award de STEREO en Alemania y En 2012 se convirtió en el Príncipe de la Cultura en su ciudad natal de Wenden. Su música suena en todo el mundo. Hoy Bernward Koch es considerado por muchos como uno de los artistas más destacados del género. El artista de formación clásica compone piezas de destacada madurez formal y con una asombrosa delicadeza musical. El propio Koch llama a sus composiciones "canciones sin letra" y, de hecho, están elaboradas con delicadeza y muestran claramente el sentido de la forma de su creador. Sus arreglos siempre están marcados por un elegante equilibrio de sonidos naturales y sintetizados. El exquisito toque de flauta de su esposa, Christiane Böhm, se ha convertido a lo largo de los años en un rasgo característico de su sonido. Su música tiene siempre una melodía fuerte y memorable, sutilmente tocada en su instrumento principal el piano, además de flauta, teclados, guitarra y bajo, enriquecida con percusión sensible. Sus melodías están calificadas para calmar, hacer la vida más placentera y permitir que tu alma respire hondo. Real Music ha representado la música de Bernward Koch desde que firmó en 1998. CDs y descargas disponibles en todo el mundo. Bernward Koch: Bernward Koch. The best collection (2020) Temas: 01 A New Winter 02 Weeping Willow 03 Short Story 04 Festive 05 Yearning 06 Wonderful Glider 07 Yellow Flowers 08 Rotation 09 Nightfall 10 Dream 11 Deep Green 12 Reminiscence of a motion picture

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Andrew Forrest, Nacido en Cornualles, suroeste de Inglaterra. Ilustrando portadas de libros para varias editoriales de Londres… temas que van desde la filosofía, las ciencias esotéricas, el misticismo, la religión, la ciencia ficción y la fantasía. Se mudó a Glastonbury y comenzó a pintar pinturas inspiradoras y visionarias. Reputación internacional establecida para el arte. Tarjetas de arte, carteles, impresiones de edición limitada, etc. Mudanza permanente a la isla sur de Nueva Zelanda. Las pinturas se vuelven exclusivamente abstractas y cada vez más informes (texturas y matices sutiles), a partir del 2000. En 1991 Se compró el primer sintetizador / teclado e hizo sus Primeras composiciones musicales compuestas y grabadas, lanzadas en cinta como “Octaves of Infinity” en 1992. Se proporcionó banda sonora para la meditación guiada "Corazones de ballena y vuelo de dragón" por Madeleine Walker, autora de El susurrador de ballenas. 2020 Se cambió el nombre de Andrew Forrest a Andrew Northman Kahu, y una vez más, en diciembre de 2020, finalmente a KALKI. Octaves of Infinity es el primer álbum de Andrew Forrest, y no es el mismo que el posterior Infinite Octaves. Fue producido en 1992, ¡solo un año después de que obtuviera su primer sintetizador! Una pista, "Shallows of the Golden Shoreline", aparece en ambos álbumes, pero es más corta en este. Durante el álbum se pueden escuchar destellos del estilo actual de Andrew que emerge. El álbum tiene un estilo variado en sus nueve pistas. Los sonidos del océano, que aparecen a lo largo del álbum, presentan la primera pista, “Mirror of Being”. Las campanas suenan y los acordes del sintetizador se desvanecen gradualmente. Aparecen tristes acordes menores y se desvían semi-melódicamente. Es una reminiscencia de las pistas más suaves y "cósmicas" de Tangerine Dream con sus parches de sintetizador sostenidos. La segunda pista, “Shining Ones of the Pleiades, Part 1 ″, es un poco más de naturaleza“ Berlin School ”, con secuencias suaves, efectos electrónicos y acordes de cuerda sostenidos. Me recordó a "Voyager" de Wavestar de su álbum "Moonwind" o el trabajo de artistas alemanes como Nik Tyndall y Robert Schroeder. "Shining Ones of the Pléyades, Part 2" trae un cambio total de atmósfera. Una suave melodía inquietante en la clave menor flota sobre las cuerdas de sintetizador de mal humor. “Ocean Octaves” consiste en una figura de ostinato repetida sobre acordes de mal humor que construyen un clímax poderoso. Tiene una cualidad hipnótica. “Angel's Breath” tiene efectos electrónicos espeluznantes que entran y salen acompañando el fondo del sintetizador. No es directamente melódico, pero tiene una sugerencia. "Witness to Infinity" tiene un título similar a "Witnessing Infinity" en Infinite Octaves, pero es una pista completamente diferente. Una secuencia descendente giratoria en la clave menor se reproduce sobre un fondo de sintetizador gradualmente más potente. Es otra pista que suena hipnótica. "Shallows of the Golden Shoreline" tiene una secuencia repetitiva similar a un eco, acompañada de tonos graves profundos. Un fondo de acordes proporciona un contraste y la sensación es una vez más, de naturaleza hipnótica. “Beloved Dreamweaving” es mi pista favorita del álbum. La mayoría de las piezas aquí están en tono menor y tienen un sentimiento algo melancólico. Sin embargo, esto tiene una naturaleza edificante más positiva. Una figura arpegiada descendente se reproduce a lo largo de la pista respaldada por armonías en constante cambio. Las armonías conflictivas y resolutivas en "Beloved Dreamweaving" son lo que hace que la pista sea tan efectiva, donde el tema principal diatónico está subyacente en los acordes dominantes, subdominantes y de séptima que fluye, pero luego la tensión creada por las armonías de las teclas menores relativas permite que la resolución tener lugar. “Merged Essence” es el tema final y vuelve un poco a los sentimientos melancólicos de las otras piezas del álbum. Se abre paso de manera majestuosa con exuberantes acordes de sintetizador de cuerdas que a veces, y especialmente cerca de la conclusión, me recuerdan al Adagio de Mahler de la Quinta Sinfonía. Se resuelve satisfactoriamente al final. Es otra hermosa pista en la que es posible discernir las semillas nacientes de su producción actual. Este es un excelente álbum y un trabajo notable considerando que fue su primera incursión en la música sintetizada. Es muy recomendable si eres un amante de la producción de Andrew o, de hecho, de la música electrónica de calidad ". Andrew Forrest: Octaves of Infinity (1992) Temas: 1-Octaves of Infinity Part 1 2-Octaves of Infinity Part 2

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Chris Spheeris es un músico de orígenes griegos pero cuya infancia transcurrió en Estados Unidos sobre todo. Debe sus primeros acercamientos a la música a su familia, pues su hermana tocaba el piano y sus padres le transmitieron las raíces folclóricas griegas. Pero sus principales pasos los dio a partir de los veinte años de edad con la influencia de Vangelis y a través de la colaboración con su amigo Paul Voudouris, quien le enseñó a manejar los sintetizadores. La relación con este músico es amplia pero muy difícil de localizar, extendiéndose desde finales de los setenta con álbumes como Spheeris & Voudouris (1978), Points of View (1980) o Primal Tech (1982). Los trabajos más conocidos son age (1982) y sobre todo auténticas joyas de las Nuevas músicas como Europa (1995) y el grandioso Enchantment (1991), uno de los discos cumbres de este género y que tuvo bastante repercusión mediática. Pero su carrera solitario es también prolífica, y ha creado varias maravillas de escucha obligada como Desires of the Heart (1990), Culture (1993), Dancing With the Muse (1999)… La música de Spheeris tiene dos ramas bien diferenciadas, la electrónica deudora de Voudouris, caracterizada por su belleza inagotable y centrada principalmente en piano, guitarra y sintetizadores, y la fusión de músicas mediterraneas (española, griega) y otras etnias (Culture, Eros…). Su estilo es muy característico, reconocible con facilidad. Spheeris alterna temas de melodías directas de instrumentos de sonidos muy definidos como el piano o la guitarra (Lovers and Friends, Andalu) con instantes mucho más suaves, dulces, donde los teclados envolventes y deliciosos forman preciosas atmósferas de paz y armonía (Stars, Me…). Otras veces se mueve entre la frontera de ambas tendencias, como el relajante Field of Tears, dirigido por un oboe brillante y secundado por teclados y guitarras. Esta música, esculpida con profundo amor por Chris Spheeris, se mueve entre la belleza melancólica y serena de un atardecer (Desires of the Heart…) y la cautivadora delicadeza de una noche estrellada (Liquid Dream, Afterimage…), pero también muestra destellos de gran alegría (Midflight, Playtime…). Todos los temas son perfectos, irables, de inusitada expresividad. Basta una escucha para que enamore y conmueva profundamente. Este disco es uno de los mejores reflejos de lo lejos que puede llegar la sensibilidad del ser humano, una composición prodigiosa, sublime, de una elegancia infinita, un trabajo precioso de principio a fin que debería trascender las fronteras de los géneros para llegar a los corazones de cualquiera con un mínimo interés en el verdadero conocimiento de uno mismo. Chris Spheeris: The Best Of Chris Spheeris (1990-2000) Temas: 01 - The Arrow 02 - Lovers and Friends 03 - Enchantment 04 - Magaya 05 - Carino 06 - Culture 07 - Andalu 08 - Pura Vida 09 - Sapphire 10 - Dancing with the Muse 11 - Field of Tears 12 - Allura 13 - Orlando 14 - Eros 15 - Treasure of the Spirit

Quiero compartir con vosotros una colección de música que he ido reuniendo a lo largo de mucho tiempo, música para perderse, para imaginar, que acaricia el alma, que traslada a momentos vividos...o no, música hecha con el corazón, para sentirla con el corazón; dejaos atrapar por esta melodías y estos autores, si lo hacéis viviréis momentos mágicos he inolvidables. Bajo este titulo voy a ir englobando una serie de autores muy conocidos mas allá de nuestras fronteras, pero que aquí a muy poca gente les suenan sus nombres, ya que a nivel de música, todo esta dominado por lo tradicional y sobre todo por las"radio-formulas", pero hay otras músicas, especiales, intimas y personales y existen autores que dominan esas melodías como nadie. Os propongo un viaje de conocimiento con cada uno de estos audios, donde el oído os llevara a parajes increibleménte hermosos dentro de vosotros mismos, donde perderse y dejar que la sensibilidad de estos maestros sea la magia que llene por algunos instantes vuestras vidas y vuestras almas. Robert Haig Coxon (Montreal, Canadá, 1946) es un compositor, productor, arreglista y teclista del género New Age. Robert comenzó en el mundo de la música a los 9 años de edad, cuando empezó a tomar lecciones de piano. A los 11 años ya empezó a componer y a los 15 años formó su primera banda de Rock and Roll. A los 17 tocaba en clubes nocturnos. Estudió composición clásica y pedagogía en la McGill University (Montreal). Durante estos años de estudio fue músico de jazz. Su música es exclusivamente instrumental. Está integrada por una mezcla de instrumentos musicales electrónicos y clásicos. Se le clasifica dentro del estilo New Age. Robert no tiene en su haber ningún premio musical, si bien ha llegado a la categoría de nominado, en su país natal, varias veces para los premios ADISQ (Association Québécoise de l’Industrie du Disque, du Spectacle et de la Vidéo) de Canadá, conocidos como premios Gala? o Félix? siempre en las categorías de música Instrumental o de música New Age. En Relación con la relajación, la meditación y las terapias alternativas Robert fue iniciado en la meditación y en el estudio de la metafísica por su propia familia cuando era niño, pero no le enseñaron una técnica concreta de meditación. Años después, cuando tocaba en el escenario con los grupos musicales, la tensión muscular le lesionó la espalda, con dolores que le impedían tocar. Asistiendo a unos cursos de relajación para disminuir la tensión, comprobó que se usaba música para relajar a los estudiantes. Decidió entonces investigar en las cualidades de la música para que la gente pudiese usarla como método de meditación sin necesidad de aprender una técnica especial. Bastaría con que una persona se dejase sumergir en una melodía, la cual tuviese unas cualidades instrumentales, rítmicas y armónicas adecuadas, para llevar a la persona a descubrir su naturaleza interior. Esa es pues la base de todas las obras de New Age publicadas por Robert Haig. «Déjate llevar por la música, empieza a soñar lo que quieres ser y date cuenta de que ése es tu futuro», es la técnica de meditación aconsejada por Robert. Las composiciones de Robert tienen reconocimiento dentro del círculo de las terapias alternativas, y son usadas como acompañamiento de tales terapias para relajar a los pacientes. Robert está interesado en ir más allá de la meditación y estudiar la influencia que supuestamente ejerce la música no solamente en la psique humana, sino en el cuerpo físico. Para ello trabaja en estudios con el Instituto Monroe. También trabaja en la organización New Age sin ánimo de lucro Kryon, creada en 1989 por el estadounidense Lee Carroll. Robert Haig Coxon: Prelude to Infinity (2004) 01.Hemingbough... A Prelude 06:19 02.Coming Home 07:54 03.Longing 06:33 04.Infinite Beauty 06:50 05.Dreaming 05:37 06.Tranquility 06:42 07.Beyond Infinity 07:48 08.Touching Softness 05:09 09.Hemingbough... The Return 04:22